Saint Sebastien (Cf : La légende dorée de Jacques de Voragine) est le sujet de 3 tableaux de Andréa Mantegna, peintre et graveur renaissant qui après un apprentissage  dans l'atelier éclectique de Francesco Squarcione à ¨Padoue devient peintre de cour. Là, il réussit à imposer un changement de goût radical, du gothique tardif romanesque et orné à l'humanisme archéologique et perspectif. L’artiste de Padoue vivait à une période de fréquentes épidémies de peste et saint Sébastien, qui a survécu à sa condamnation à mort par sagittation, était considéré comme un protecteur contre cette maladie. Lors de son long séjour à Mantoue, Mantegna résidait près de l’église dédiée à saint Sébastien.

Il est supposé que cette image a été créée après que Mantegna a survécu à la Peste noire à Padoue (1456-1457). Probablement une commande du Podestat de la ville pour célébrer la fin de l'épidémie, elle était terminée avant que l'artiste ne parte pour Mantoue. D'après Eugenio Battisti le thème s'inspire de l’Apocalypse de Jean. Un cavalier est représenté dans les nuages au coin supérieur gauche. Comme précisé dans l’œuvre attribuée à saint Jean, le nuage est blanc et le cavalier tient une faux pour couper le nuage. Le cavalier pourrait représenter Saturne, le dieu gréco-romain symbole, à l'époque, du temps qui passe et de tout ce qu'il laisse détruit derrière lui. Au lieu de la figure classique de Sébastien attaché à un poteau du Champs de Mars, il est ici représenté contre un arc, soit un arc de triomphe soit une porte de la ville. En 1457, le peintre est attaqué par l’Église pour n’avoir peint que huit apôtres dans sa fresque de l’Assomption. En guise de réponse, il appliqua les principes du Classicisme d'Alberti dans ses œuvres postérieures, dont ce petit Saint Sébastien, affecté par sa propre nostalgie. Les principales caractéristiques du style de Mantegna sont la pureté de la surface, la précision « archéologique » de sa reproduction des détails architecturaux et l'élégance de la posture du martyr. La signature de Mantegna est inscrite, en grec, à la verticale, à droite du saint.

Le Saint Sébastien d’Aigueperse aujourd'hui au Louvre faisait jadis partie du retable de San Zeno de Vérone. Chiara de Gonzague, fille de Frédéric Ier de Mantoue, qui épouse Gilbert de Montpensier, dauphin d'Auvergne, en 1482, le donne à la Sainte-Chapelle d'Aigueperse, en Auvergne. Il ne rejoint le musée du Louvre qu'en 1910. L’image illustre vraisemblablement le thème de l’athlète de Dieu inspiré par un sermon apocryphe de saint Augustin. Le saint, attaché à un arc antique est observé d’une perspective inhabituellement basse, choisie par l’artiste pour renforcer l’impression de solidité et de domination du sujet. La tête et les yeux tournés vers le Ciel confirment la fermeté de saint Sébastien dans la souffrance du martyre. À ses pieds, les deux archers créent un contraste entre l’homme de foi transcendante et ceux qui ne sont attirés que par des plaisirs profanes. En plus du symbolisme, l’image est caractérisée par la précision de la représentation des ruines antiques et par les détails réalistes tels que ce figuier à côté de la colonne et l’anatomie du saint. En arrière plan de ce Saint Sébastien du Louvre, on aperçoit les ruines antiques, décor classique des tableaux de Mantegna. Le chemin escarpé, les graviers et les grottes font référence à la difficulté d’atteindre la Jérusalem céleste, la ville fortifiée au somment de la montagne, au coin supérieur droit de l’image, décrite au chapitre 21 de l’Apocalypse de saint Jean.

Pik

Le troisième Saint Sébastien de Mantegna peint quelques années plus tard, vers 1490, très différent des précédentes compositions, dénote un pessimisme marqué. La représentation du saint torturé s’impose devant un fond brun, sombre et neutre. L’artiste explique ses intentions dans la banderole enroulée autour de la chandelle éteinte, au coin inférieur droit. Il y est écrit en latin : Nihili nisi divinum stabile est. Coetera fumus (« Rien n’est permanent si ce n’est divin. Le reste n’est que fumée »). Le fait que le thème de la fugacité de la vie ne soit généralement pas associé aux images de saint Sébastien paraît justifier la nécessité de cette inscription. La lettre M formée par les flèches croisées sur les jambes du martyr pourrait signifier Morte (« Mort ») ou Mantegna.
 

       Brève définition de l'esthétique et du crime :

"L'Art est toujours immorale (...) car l'Art poursuit l'émotion." Oscar Wilde

ou
  "le beau et le laid, l’intense et le creux remplacent comme critères le bien et le

mal." Nietsche

       L'esthétique désigne communément le "Beau". Mais rien n'est moins commun que cet idiome devenu discipline. C'est au XIXème siècle, tandis que les artistes tels que Baudelaire, Mallarmé ou Rilke prennent à rebour les valeurs du Beau d'alors, que l'esthétique devient une science philosophique s'intérressant à la perception du beau dans la nature ou dans l'Art. La philosophie de l'Art se rapporte aux émotions provoquées par une oeuvre d'Art puis au jugement comme prédication soit _ceci est symbolique / ceci est engagé... et elle s'oppose à l'utile, au fonctionnel. 

          Le terme crime quand à lui vient du latin "crimen" qui signifie "l'accusation" ou du bas latin "faute" ou "souillure". Il exprime une rupture par rapport au règles et aux usages d'une communauté du point de vue de la morale, de l'éthique et de la beauté. Cependant l'acte coupable (actus reus) et l'intention coupable (mens rea) sont à distinguer. C'est pourquoi du crime de sang froid au crime passionnel en passant par le crime contre l'humanité, ce terme balaie bien des aspects que nous tâcherons d'explorer d'un point de vue esthétique.

           I) Esthétisation du crime dans l'acte d'écrire, de peindre, de photographier ...

          Fiction : Littérature et cinéma

          - Atmosphère

          A quel moment le crime devient-il esthétique ?

       Cadavre, empreinte, indice, alibi, coupable, victime, scène de crime, police, inspecteur, suspect, complice, pièce à conviction, soupçon, témoins, coup de feu, preuves, mandat de perquisition, loupe et/ou chapeau, archive, laboratoire, mobile, commisariat de police, detective ...

       Tout ce verbiage plonge le récepteur, lecteur ou spectateur, dans une atmosphère : l'esthétique du polar, du roman noir ou du thriller selon... La mise en place d'un décor, d'une ambiance, la peinture de personnages typiques et l'application d'un code sont nécessaires à une immersion totale dans le genre.

       Dans un livre ce seront le rythme, le langage soutenu ou argotique, les décors : est-ce un huis-clos ? une scène urbaine ? rurale ? , est-ce le crépuscule, l'aube ...?, les Flash-back, les mots et l'atmosphère qu'ils confèrent...

       Au cinéma, le son et la lumière primeront. Une certaine tendance au Jazz caractérise de nombreux film noir des années 50 et 60, un air de saxophone ou de piano qu'accompagne un criminel ou bien un enquêteur qui sirotte son scotch ou erre dans la nuit. Ainsi l'illustre Mark Isham en composant un thème sombre et rétro fidèle au Dalhia Noir de Ellroy qu'il accompagne ou encore Miles Davis avec son Ascenseur pour l'Echafaud pour un film de Louis Malle en 1958.

          - Procédé de mise en abyme

          C'est à André Gide que l'on doit cette appellation du procédé qui dira dans son journal en 1893 :

« J'aime assez qu'en une œuvre d'art on retrouve ainsi transposé, à l'échelle des personnages, le sujet même de cette œuvre par comparaison avec ce procédé du blason qui consiste, dans le premier, à mettre le second en abyme. »

"comme tout genre parvenu à maturité, le roman policier connaît les mises en abîme et les jeux réflexifs. Demouzon, dans Dernière station avant Jérusalem,  inscrit un livre, en abîme, où figure déjà.l'histoire qu’il est en train de raconter; de même, Gardens of love (Marcus Malte); le même Marcus Malte prolonge (et détourne) le grand classique de Hammett dans Le vrai con maltais, puis Maïté Bernard lui emboîte le pas avec Même pas Malte. Jean-Pierre Gattégno, Fred Vargas multiplient les références intertextuelles; et Jean-Bernard Pouy, les contraintes à la manière de l'Oulipo."

(www.fabula.org/actualites/le-roman-policier-francais-contemporain_61161.php)

exemple de mise en abyme avec Monsieur Al Pacino

          -  Un exutoire pour l'artiste

          Bien souvent l'acte créatif est un exutoire pour l'artiste qui utilise la terreur, frayeur ou angoisse comme thérapie. Ainsi James Ellroy auteur du fameux Dalhia Noir, écrira-t-il La part d'ombre roman mis en scène plus tard par De Palma dans lequel il exulte le meurtre de sa mère en 1958. Le livre raconte la jeunesse de Ellroy qui après la mort de sa mère se retrouve livré à lui même errant dans les rue de Los Angeles, là il se passionnera pour les femmes assassinées et pour le roman noir.

           Pour l'artiste plasticienne Linda Ellia , Mein Kampf devient 'Notre combat". Il ne s'agit pas ici de polar mais bel et bien d'un livre criminel... Elle dira à son sujet : "Lorsque je me suis trouvée en possession du livre d'Adolf Hitler : Mein Kampf,  les doigts me brûlaient. (...) Un soir, l'idée m'est apparue : faire participer un public de tous bords et de toutes conditions, et en faire une œuvre collective. Je découperai chaque page du livre, et la distribuerai à une personne de mon choix ou prise au hasard, et cela pour les 600 pages du livre. Ces 600 intervenants représenteront plus de 6 millions de morts parmi les déportés. Le but est de manifester sur cette page l’émotion qui naîtra en chacun. Ainsi, nous referons le livre.  Il deviendra : « Notre Combat »."

...

 
          - Un univers contrasté

         Les contrastes et les oppositions sont essentiels à la défamilliarisation qui provoque la perte de repère du récepteur et le plonge dans une atmosphère inconfortable. Les contrastes de couleur, d'ambiance ou de registre, de sons, bruit et silence, ombres et lumière ... tout cela amène un certain mystère qui transporte le lecteur ou spectateur dans une bulle noire. Le sang sur la neige, rouge sur blanc est une dissonnance colorée très exploitée dans le polar. Ainsi le combat finale de Kill Bill où l'héroine se bat au sabre avec une japonaise sous la neige laissant apparaître ici et là des gouttes de sang ou les romans de McGrath, Le Garçon dans la neige,  de Henriksen, Du sang sur la Neige, de André Héléna, Neige de Sang ,  de Nele Neuhaus Blanche Neige doit mourir ou encore Le garçon qui dormait sous la neige du maître incontesté  du roman noir, Mankell qui oppose à l'univers parfois sombre des adultes l'imaginaire foisonnant d'un garçon de douze ans. Le Labyrinthe de Pan, lui aussi, met en scène une jeune héroine amatrice de conte de fée avec en toile de fond la guerre d'Espagne... Des personnages purs dans un monde sanguinaire et violent...  

Truffaut disait un jour, au sujet de Hitchcok :

 "Hitchcok filme les scènes d'amour comme des scènes de meurtre et les scènes de meurtre comme des scènes d'amour".

          II) Théâtralisation du malfaiteur et de l'enquêteur

          - L'enquêteur 

     Dans le monde du polar ou du roman noir, les enquêteurs, policiers ou privés sont héros au même titre que  le criminel. Un code est mis en place, une précise hierarchie défini les rôles, une procédure de plus en plus étoffée balise la scène de crime. Depuis l'analyse déductive de Dupin chez Poe en passant par le détective Sherlock Holmes qui dépeint en fond l'Angleterre Victiorienne jusqu'au Kurt Wallander de Mankell ou ce cher Dexter ... photographes, profilers, scientifiques, en bref, enquêteurs de plus en plus spécialisés participent à la théâtralisation de l'enquête. Dexter devient quasiment un artiste quand il place ses fils de laine rouge pour étudier la projections sanguines.

             La série Millénium de Stieg Larson est devenue très vite phénoménale si bien que les lecteurs avides de connaitre la suite faisaient le pied de grue devant les librairies à  chaque parution. Ce thriller que l'on pourrait qualifier de "politique" crée sa tension par une violence accrue, des personnages extrêmement complexes et une intrigue fascinante. les titres : Les hommes qui n’aimaient pas les femmes ,  La fille qui rêvait d’un bidon d’essence et d'une allumette, La reine du palais des courants d’air sont eux même très accrocheurs ainsi que les couvertures de la collection Acte Noire chez Acte Sud.

          Le fameux  film-maker, David Fincher reconnu pour son univers sombre et violent s'est d'ailleur attaqué à la réalisation de Millenium, Les Hommes qui n'aimaient pas les Femmes. Après Alien 3, Seven, Fight club ou Panic room, Fincher réussi son nouvel opus et reçoit pour celui-ci de nombreuse distinctions.

            C'est l'enquêteur qui dans From Hell, donnera le ton. Detective à Scotland Yard, Frederic Abberline prend en chasse Jack l'éventreur meurtrier des prostituées de Whitechapel d'une manière peu orthodoxe. Il fait en effet usage d'opium et d'absinthe pour résoudre les énigmes qui lui sont soumises. C'est dans cette ambiance victorienne, profondément gothique que voyage le spectateur fasciné.

          -Le Malfaiteur

           les malfaiteurs comme nous l'avons vu précédemment comptent des individus de toute sorte, qu'ils soient psychopathes /psychotiques, simple névrosés, victimes d'un concours de circonstances comme notre cher Paul des Demoiselles de Concarneau, mafieux, politiciens véreux ... et tant d'autres. Les tueurs en série demeurent néanmoins des sujets passionnants pour illustrer notre propos. En effet bien souvent esthètes et cultivés ils déploieront leur mise à mort autour d'un thème, on pourrait dire qu'ils s'adonne à leur tâche en "harmonie".

On songe à jean Baptiste Grenouille du parfum de Suskind, être d'une laideur sans nom qui s'emploie au métier fin et délicat de Nez :

"A dater de ce jour, en revanche, il lui semblait savoir enfin qui il était vraiment : en l'occurrence, rien de moins qu'un génie ; et que sa vie avait un sens et un but et une fin et une mission transcendante : celle, en l'occurrence, de révolutionner l'univers des odeurs, pas moins ; et qu'il était le seul au monde à disposer de tous les moyens que cela exigeait : à savoir son nez extraordinairement subtil, sa mémoire phénoménale et, plus important que tout, le parfum pénétrant de cette jeune fille de la rue des Marais, qui contenait comme une formule magique tout ce qui fait une belle et grande odeur, tout ce qui fait un parfum : délicatesse, puissance, durée, diversité, et une beauté irrésistible, effrayante."

ou à  Sweeney Todd de Tim Burton, barbier fou qui utilisera son outil de travail pour exécuter ses victimes afin de recouvrer sa vie. Rouge et cendre, personnages farfelus, gothique absolu et chansons de comédie musicale tout ici est paradoxale et le spectateur en ressort avec une émotion mélangée entre drôlerie et horreur ...

Hannibal Lecter du Silence des agneaux se délecte des Variations de Golberg du grand Bach depuis sa cellule d'où il s'apprête à s'enfuir, dévorant ses gardiens comme un animal affamé. Delicatesse et sang encore ce contraste ...

           - Quand enquêteur etMalfaiteur se confondent

          La psychologie des personnages, l'empathie que peuvent ressentir les enquêteurs vis à vis de ceux qu'ils pourchassent vient souvent troubler le fil de l'histoire et offre une chute détonnante. Les films tels que Fight Club, Shutter Island, Attrape moi si tu peux, Dexter, Mystic River sont autant d'exemples où le récepteur est perdu. Le malfaiteur étant le héros ou bien l'enquêteur pris dans un imbroglio. Dans Fight club la psychologie défaillante du héros schizophrène le poussera à devenir le anti-héro dans le même temps, dans Attrape moi si tu peux, l'usurpateur d'identité excelle tant que l'enquêteur chargé de sa poursuite finit par le prendre en sympathie et va même jusqu'à l'engager comme profiler, Dexter quand à lui joue impunément les deux rôles, l'enquêteur de Shutter Island se trouve pris au piège accusé de folie... 

...

          III) Le crime dans les Arts plastiques

         Le premier crime connu remonte aux temps biblique à Abel et Caïn, la Bible ouvrage immensément symbolique qui fait plus que fasciner depuis plus de deux millénaires a peut être ébauché le genre et bien avant le cinéma ou la production littéraire massive des peintres ont représenté le crime, ils avaient eux aussi leur code, leur violence, leur mystères ...

Abel et Caïn, Le Titien, entre 1542 et 1544

La Mort de Marat, Jacques Louis David, 1753

Jean-Paul Marat, intellectuel et député Montagnard de la Convention pendant la révolution fut assassiné chez lui le 13 juillet 1793 par Charlotte Corday, une provinciale révolutionnaire. L'inscription "A Marat, David" qu'on retrouve sur le coffre en bois suggère, par la forme et l'épitaphe, une pierre tombale et  dénote l'hommage que fit David à son ami Marat. Se détachant du fond noir, le corps de Marat est reprèsenté agonisant, la tête enveloppée d'un turban blanc est penchée sur le côté. Sa main droite ballante, tient une plume ; le bras gauche repose sur le rebord d'une planche drappée d'un tissu vert, la main tient une feuille écrite. Le corps est appuyé contre la baignoire que recouvre un drap blanc souillé du sang de Marat ; au pied de la baignoire se trouve un couteau au manche blanc taché de sang.

Avec ce tableau incontestablement néoclassique, David inscrit l'acte révolutionnaire et ce meurtre en particulier dans l'Histoire.

David mêle ici la représentation naturaliste de l'évenement (couteau taché de sang, lettre, cicatrice...) et idéalise le sujet en le dramatisant. David déplie une diagonale lumineuse qui place son sujet tel un Christ agonisant comme après la Passion. Le coffre dédicacé fait lui songer à une pierre tombale ... La mort, le crime et leur imagerie sont bien présents ...

Pierre-Paul Prudhon, La Justice, la vengeance divine poursuivant le crime, 1808

Oeuvre de commande pour le préfet de Seine Frochot pour le tribunal criminel en 1804 (la cours d'assises) du tribunal de Paris.

Les mémoires adressés au préfet, la correspondance avec Constance MAYER, les esquisses préparatoires renseignent sur les projets et les travaux d’avancement de l’oeuvre. Un dessin de 1806 montre un premier projet Thémis et Némésis  auquel renonça l’artiste qui travaillait déjà sur ce projet : La Justice et la Vengeance divine poursuivant le Crime qui aboutit en 1808. Prud'hon y associe personnages réels et figures allégoriques dans un éclairage tragique et violent. La facture audacieuse et le sentiment dramatique en font une oeuvre typique du pré-romantisme.

Eugène Philastre, Le corps merveilleux de Galswinthe XIXe

"Ce que voyant le roi Chilpéric demanda sa sœur Galswinthe bien qu’il eût déjà plusieurs épouses ; il fit promettre par les ambassadeurs qu’il délaisserait les autres pour peu qu’il méritât d’avoir une femme digne de lui et de souche royale. Le père, accueillant ces promesses, lui envoya sa fille comme il avait fait pour sa précédente avec de grandes richesses, car Galswinthe était plus âgée que Brunehilde. Lorsqu’elle fut arrivée chez le roi Chilpéric, elle fut accueillie avec beaucoup d’honneurs et associée à lui par le mariage. Il éprouvait aussi pour elle un grand amour, car elle avait apporté avec elle de grands trésors. Mais son amour pour Frédégonde qu’il avait eue auparavant comme femme provoqua entre eux un grand différent. Elle avait déjà été convertie à la foi catholique et ointe de chrême. Or comme elle se plaignait constamment au roi d’avoir à supporter des injures et de ne jouir auprès de lui d’aucune considération, elle demanda la permission de rentrer librement dans sa patrie en laissant les trésors qu’elle avait apportés avec elle. Le roi feignant de nier la chose, l’apaisa par de douces paroles. Finalement il la fit égorger par un esclave et on la trouva morte dans son lit. […] Quant au roi, après avoir pleuré la morte, il reprit après quelques jours Frédégonde qu’il épousa […].

Assassinat de Marat ou Charlotte Corday, Baudry, 1860

Cet Assassinat de Marat montre une Corday effarouchée comme une jeune Vierge, rêveuse peut-être. Regrette-t-elle son geste ? Baudry fixe au mur où elle s'appuie une carte de la France. Que signifie-t-elle? Peint en 1860, en plein Second Empire; ce tableau cherche surtout à ne vexer personne. On peut y voir Charlotte Corday comme le symbole de la France victime de la Terreur (d'où la carte), ou comme une pauvre écervelée irresponsable. Mais ce tableau est surtout un hommage de Baudry à David : car il s'agit bien de la même scène, dans un décor identique, avec les mêmes meubles (la petite caisse servant de table, la planche sur la baignoire recouverte d'un drap vert) mais vue sous un autre angle. Seul le couteau n'est pas le même. Et sur ce point Baudry a raison : le rapport de police parle d'un manche en ébène et non en ivoire. 

Le meurtre, Cézanne , 1870

"Whisler, apercevant chez Vollard le portrait de Marie Cézanne disait : " si un enfant de dix ans avait dessiné cela sur son ardoise, sa mère, si c'est une bonne mère l'aurait fouétté!" (...)
"La peinture du jeune Cézanne était pétrie d'outrance, de violence et de maladresse agressive presque dépourvue de cette sensualité de pâte qui fait tolérer sinon aimer l'expressionnisme allemand ou de kooning. Ses caractères sont surtout négatifs : un besoin ressassé de déplaire, une agression sans objet, un grotesque sans humour, un érotisme sans plaisir. (…) C’est surtout dans les scènes de meurtre et d’érotisme que Cézanne est à la limite du tolérable. (…) Selon Vollard, Cézanne opposait la peinture “bien couillarde” (la sienne) et celle des “ottres”, de Corot par exemple. (…) Il déchargeait sa violence sexuelle dans sa peinture ; Schapiro a montré comment la nature morte fut le lieu de ce déplacement."

L'assassin menacé, René Magritte, 1927

Magritte, grand amateur de fantastique puise son inspiration dans les nouvelles d'Edgar Poe ou dans Fantômas. Il fait naître chez le spectateur des sentiments de malaise devant des situations étranges.L'angoisse est palpable dans son tableau L'Assassin menacé de 1927 où un meurtrier, après avoir assassiné une personne dans sa chambre, écoute la musique d'un phonographe, alors qu'à l'extérieur, des hommes l'attendent, prêts à le capturer.

Hans Bellmer, la poupée, 1935

Exemple d'Art dit dégénéré.  Cette étiquette qu’apposait les nazis sur tout œuvres et artistes qui ne correspondaient pas aux critères de l’art décrété «officiel» par le régime.

À l'arrivée au pouvoir en Allemagne des nazis en 1933, Hans Bellmer décide de ne plus rien faire qui puisse être utile à l'État.  Il confectionne alors, en 1934, son œuvre la plus connue: La Poupée. Il dira à son sujet “ c'est une “créature artificielle aux multiples potentialités anatomiques”, par celle-ci Bellmer entend découvrir la “mécanique du désir” et démasquer “l'inconscient physique” qui nous gouverne; elle est enfantine, mais également victime de perversions sadiques; ainsi démembrée, violentée, violée, elle correspond au désir de l'artiste de voir la femme accéder “au niveau de sa vocation expérimentale.”

Rêve d'une sadique (1922),Aquarelle et plume (50 x 40)

Otto Dix peint des femmes démembrées, les organes génitaux déchirés après avoir été violées. Tableaux maltraités, tailladés de grands coups de pinceau.

The Golden years, Balthus, 1945

Big electric chair, Andy Wharol, 1963

Encre sérigraphique et peinture acrylique sur toile, 137,2x185,3 cm Paris, musée national d’art moderne. La chaise éléctrique dans l'attente d'une victime ... 

La peine de mort comme crime et Oui !

Face of a Woman, Joel Peter Wilkin, 2013

        Né à Brooklyn de père juif et de mère catholique, Witkin est témoin à l'age de six ans d'un accident de voiture prémonitoire de son univers photographique : la tête coupée d'une petite fille roule à ses pieds. Dès l'âge de 16 ans, Witkin prend en photo des monstres. Il étudie la sculpture et obtient une licence de beaux-arts en 1974. Après son installation à Albuquerque, il fait une thèse sur la photographie et enseigne à l'université.

Il commence à exposer en 1969. 

Tamman Azzam Bleeding Syria, 2012

        “L'artiste syrien, actuellement établi à Dubaï, a vécu les sept premiers mois de la révolution dans son pays natal. Après la perte de son atelier, l'artiste se concentre sur les médias numériques tout en faisant des clins d'œil à l'art urbain. Azzam doit sa renommée à une œuvre intitulée Freedom Graffiti (2012), qui reprend Le Baiser de Gustav Klimt en superposant cette évocation puissante de l'amour sur des murs criblés d'un bâtiment à Damas. Cette œuvre fait partie d'une série dans laquelle Azzam s'approprie des images empruntées aux chefs-d'œuvre de l'histoire de l'art occidental qu'il insère dans des photographies de scènes de dévastation prises en Syrie. La série Bon Voyage est un ensemble de collages numériques qui mettent l'accent sur la fragilité des structures politiques tandis que dans Syrian Olympics, les anneaux entrelacés des Jeux olympiques font allusion à l'inaction de la communauté internationale. L'artiste adopte le pochoir, un style iconographique courant dans l'art urbain.”

Une oeuvre de l'artiste israélien Ori Melamed réalisée en janvier 2004 pour protester contre l'installation d'une plasticienne suédoise mettant en scène une kamikaze palestinienne lors d'une exposition à Stockholm. (AFP)

- La Grande Odalisque peinte par Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867)

- Nu de dimension moyenne 91cm / 162cm  peint en 1814 et exposé au Musée du Louvre à Paris

- Oeuvre de commande (1813)  par Caroline Murat, soeur de Napoléon Ier et reine de Naples, pour servir de pendant  à La Dormeuse de Naples acquise par son mari, à Rome, en 1809 et non payée à cause de la chute de l'empire mais livrée par Ingres en 1814

- exposée pour la première fois au salon de 1819, (Ingres l'y envoya depuis l'Italie)

                    Sous nos yeux s'allonge le corps d'une femme nue, une femme de harem désignée par le mot Odalisque du turc Odalik. Cette femme et le décor orientale qui l'entoure suggère un érotisme "Ingresque".

                     Ingres qui a bien connu l'Italie ne connaît rien des terres d'Orient qui ont le vent en poupe depuis les expéditions Napoléoniennes et le fameux journal de Lady Montague qui l'inspira grandement ;  il se plait pourtant à représenter un Orient onirique, où la femme fantasmée y est sensuelle et sensible aux jeux de l'amour contrairement à la femme occidentale qui même dans l'intimité ne dévoile pas sa nudité.  Ainsi expose-t-il son nu lascif aux yeux de ses contemporains. L'Odalisque nous regarde avec ce regard qui semble ivre d'amour et dans l'attente d'un regain de flamme. Il transparaît qu'elle vient juste de quitter un homme qui la satisfaite et en attendre un autre pour combler son insatiable appétit sexuel.

                   Ce corps lascif, qui s'étend sur toute la largeur du tableau, est pourtant abstrait, mais sa déformation est voulue par Ingres qui prèfère volontairement sacrifier la vraisemblance pour la beauté. Il a en effet ajouté trois vertèbres à ce dos offert, l'angle de sa jambe gauche est peu naturel, son sein ne devrait pas apparaitre autant et son bras est définitivement trop long. Ses jambes qui sortent du lit donnent un impression de flottement comme si elle n'était attachée à rien, elle va ainsi de lit en lit avec ses pieds purs dont la voute plantaire n'a pas été altérée par le peintre. Toutes ces imperfections ne font que renforcer l'attitude lascive de cette femme imaginaire. Ingres soumet son modèle à sa manière comme il le fit pour La Baigneuse de Valpinçon, toutes deux sont représentées de dos, selon l'archétype de l'époque. Cependant, elle pose sur le spectateur un regard ambigue, sans pudeur, elle a conscience qu'on l'observe et qu'elle nous rend l'oeuillade. Elle est soumise au bon vouloir de l'homme , et on y voit une langueur coutumière, sans surprise elle regarde les observateurs de sa nudité.

                      Bien que pour Ingres :" La ligne soit la maîtresse et la couleur sa servante", les effets de matière et les oppositions de couleurs sont ici travaillés à la perfection. La gamme chromatique choisie par le peintre est très forte, ainsi le bleu métallique du rideau de soie brodés de fleurs rouges et dorées occupe la partie droite du tableau tandis qu'à l'opposé on y trouve ses complémentaires orangées et lins. L'odalisque est étendue sur un tissus bleu ciel et se détache de la composition par son teint ambré. Les accessoires présent confèrent au tableau une ambiance orientalisante à mi-chemin entre la Chine et le Moyen-Orient. A ses pied un plateau avec fourneau et pipe servant probablement à s'ennivrer d'Opium,  drogue procurant rêves et lenteur ; comme une métaphore de la sensualité de la scène fantasmée. Elle porte un turban brodé qu'elle fait tenir grâce à une broche de perle, le chasse-mouche qu'elle tient est fait de plume de paon, oiseau qui symbolise l'Inde et au premier plan, à la naissance de ses fesses un collier assorti à la broche laisse imaginer qu'il a été enlevé à la hâte, enfin quelques bracelets entourent son poignet droit. Ces multiples accessoires renforcent encore la nudité de cette femme, par leur préciosité et mettent l'accent sur le corps, sujet sans cesse exploré par le maître. 

          Ingres comme son maître David remporta le prix de Rome et passa dix huit années en Italie où il se passionna pour les peintres de l'Antique comme Raphaël et plus généralement par le Quattrocento. Ingres amoureux de la ligne dira : "une chose bien dessinée est toujours assez bien peinte", il voue également un culte à la musique et au corps féminin, deux passions qui transparaitront toujours dans sa peinture. Dans La Grande Odalisque le peintre réuni toute ses caractéristiques : la perfection formelle, l'extrême minutie, la grande sensualité, les déformations anatomiques et son goût pour les formes géométriques. La pose de l'Odalisque rappelle un tableau de son mâtre David Madame de Récamier. Ce qui démontre la faible créativité de Ingres qui était avant tout un génial technicien. Ainsi retrouve ton dans son ultime tableau, Le Bain Turc, toute les figures qu'il avait déjà travaillé. La Grande Odalisque est une oeuvre de jeunesse, et à cette période Ingres est plutôt mal compris et considéré comme un novateur, La Grande Odalisque sera d'ailleur mal accueillie lors de son exposition au salon de 1819. De opar sa formation académique Ingres était porté à peindre et à dessiner des nus avec exactitude (il fit d'ailleur de nombreuses études préparatoires de nus pour la plupart de ses tableaux, y compris les portrait). Mais dans ses nus l se consacrait davantage à des recherches purement formelles, souvent incomprises de ses contemporains, sans se soucier du rendu réaliste d'une anatomie. Toute sa vie Ingres fera de nombres reprises et les réinterprétations d'une m^me figure (au moins six tableaux pour La Grand Odalisque). On l'a souvent opposé à ses contemporains plus jeunes, les romatiques Delacroix et Géricault, il n'en reste pas moins novateur. L'audace suprême résidait peut-être dans le fait m^me de présenter au Salon de 1819, et dans un tel format, un nu féminin dénué de tout prétexte mythologique ou historique.

- La Liberté guidant le peuple par Eugène Delacroix (1798-1863)

- Huile sur toile de grande dimension  :  260cm / 325cm, peinte en 1830

- Présentée au Salon de Paris en 1831, l'oeuvre est transférée du musée du Luxembourg au musée du Louvres, à Paris en 1874

- Elle est exposée depuis 2012 au Louvres-Lens

- Peinture d'Histoire contemporaine du maître

                 L'oeuvre assez imposante représente une scène de barricades pendant la révolution des Trois Glorieuses . Une déesse antique, les seins nus, trône au centre du tableau portant au ciel le drapeau tricolore tandis que des cadavres s'amoncellent et que le peuple parisien l'entoure.

        Les 27, 28, 29 juillet 1830, Paris est prise par une insurrection populaire, s'opposant à la restauration de l'ancien régime par Charles X qui décide de passer outre à la charte édictée par les Bourbons, se proclamant ainsi monarque absolu. Pour expliquer ce tableau controversé, Delacroix écrira :"Si je n'ai pas triomphé pour la patrie, au moins, je peindrai pour elle." Le peintre qui avait tièdement participé à la révolte se représente dans le personnage de l'homme coiffé d'un haut-de-forme. La toile est un singulier mélange de réalisme et de propagande, de rhétorique et d'observation journalistique. Par son aspect allégorique et politique, La Liberté guidant le peuple devient symbole de la démocratie et de la République.

       Au premier plan s'amoncellent les cadavres de l'armée de Charles X. Marchant dessus, le personnage central féminin attire tous les regards. La personnification de la Liberté emprunte autant à la statuaire antique _ drapés, pieds nus, poitrine offerte_ qu'aux représentations de la femme du peuple à la lourde musculature et à la peau hâlée. Heinrich Heine dira à son propos : " une douleur impudente se lit dans ses traits, au total bizarre mélange de Phyrnée, de poissarde et de déesse de la liberté." Elle tient un fusil dans sa main gauche, brandit le drapeau tricolore et porte le bonnet phrygien symbole de la révolution de 1789. La Liberté rassemble autour d'elle toute les catégories sociales et par ce fait accroît encore l'idée qu'elle représente. A droite, l'adolescent au beret, la bouche ouverte sur un cri et tenant deux pistolets visiblement trop lourds pour lui semble avoir inspiré à Victor Hugo le personnage de Gavroche dans ses Misérables écrit en 1862. Un autre enfant portant le bonnet d'un policier s'accroche aux barricades. Comme je l'ai dit plus haut l'homme en haut-de-forme n'est autre que le peintre lui même, qui s'est représenté portant culotte et ceinture d'ouvrier, à sa droite un homme du peuple, certainement un des nombreux ouvriers typographes qui furent les premiers à monter sur les barricades. On distingue également le bicorne d'un polytechnicien. En somme tous se battent ensemble pour la liberté. La composition pyramidale de l'oeuvre lui confère un dynamisme vertigineux et rappelle le fameux Radeau de la Méduse de Gericault peint en 1818. En effet le fusil que tient le personnage en haut-de-forme rejoint la ligne de la hampe du drapeau qui rejoint le pistolet que tient l'adolescent dans la main gauche comme le mât ou le personnage au foulard dans le Radeau de la Méduse. La Liberté qui constitue le faîte de la pyramide  emporte avec elle les insurgés. Au dernier plan, émerge Notre Dame des fumées de la bataille. 

         Bleu, blanc, rouge : au centre du tableau, le drapeau français domine la mêlée. On le voit aussi à l'arrière-plan, un emblème improvisé fait de trois morceaux de tissus liés ensemble et qui flottent au vent. On retrouve même les trois couleurs dans les vêtements du blessé qui lève les yeux vers la Liberté. l'ocre de la robe de la Liberté se confond avec le ciel qui semble en feu. Les figures apparaissent sombres presqu'en clair-obscur mais la Liberté de pied tournant le dos à la lumière du ciel illumine le tout.

         Quand Delacroix livre La Liberté guidant le peuple, il est reconnu comme le chef de file de l'école romantique française. Il rejette l'idéal classique et les canons de l'Art académique de son temps. Réalisée à partir d'esquisses dès septembre 1830, il dira à son sujet :" J'ai entrepris un sujet moderne, une barricade, et si je n'ai pas vaincu pour la patrie, au moins, je peindrai pour elle." L'artiste témoigne ici de la ferveur romantique qui lui fait traduire les évènements révolutionnaires dont il est contemporain. La Liberté guidant le peuple est une oeuvre de jeunesse qui par sa force demeure encore un symbole de liberté. Passionnés par l'Orient, alors en vogue depuis les expéditions d'Egypte mené par Napoléon, le style de Delacroix subit un changement profond, à la suite d'un voyage en Espagne et au Maroc : la connaissance de la peinture de Goya et l'expérience de l'Afrique donnent à sa peinture une intensité dramatique et un dynamisme encore plus marqué, où transparait un érotisme vibrant.Il peindra la Mort de Sardanapale (1827-1828) puis les Femmes d'Alger dans leur appartement (1834). Son oeuvre extrêmement prolifique témoigne d'une grande maîtrise de la couleur et d'un certain gôut pour les sujets inhabituels. Toutes ses oeuvres témoignent de la complète maîtrise d'une extraordinaire gamme de solutions de composition. Delacroix deviendra u personnage essentiel du monde culturel et littéraire avec des écrivains comme Dumas, Baudelaire et sera enfin nommé peintre officiel du second empire. Je terminerai par ces mot du maître :

"Le premier mérite d'un tableau et d'être une fête pour l'oeil."

Les Sabines  par Jacques-Louis Davis (1748-1825)

- Huile sur toile, format gigantesque de : 385cm / 522cm, huile sur toile

- Peinture d'histoire exposée au musée du Louvres à Paris

          David représente ici une scène d'armistice, celle inspirée par Plutarque alors que les Sabines tentent d'établir la paix entre Romains et Sabins.

Cet épisode date de la fondation de Rome soit en 753 avant J.C. Les romains manquaient de femme pour peupler leur cité, les sabines voisines, réputées très belles, se voient alors enlevées par eux. Deux années plus tard, les sabins veulent reconquérirent leurs femmes. Contrairement à Poussin qui avait réalisé L'enlèvement des Sabines, c'est ce moment précis que David a choisi d'illustrer, le moment de suspence, l'instant fatidique où Hersilie, épouse de Romulus, à droite, et fille de Tatius, à gauche, tente de réconcilier les deux peuples. David voulait ainsi prôner la réconciliation des français après la révolution.

          Hersilie, le personnage central s'interpose entre Tatius et Romulus, elle découpe ainsi le tableau en deux, son bras gauche sépare en effet les Romains des Sabins. Presque toute la lumière est concentrée sur celle qui dénouera l'histoire. La composition dynamique, quasi vertigineuse de ce tableau donne au spectateur une impression de vive théâtralité, une architecture sculpturale. Une ligne horizontale découpe la foule de l'arrière-plan, ce dernier  qui nous apparaît d'abord paisible, s'il l'on y regarde de plus près est agité comme une cité en proie aux flammes. David réalise l'essence de l'Art recomposant une fiction basée sur des faits réels. Il entend faire des nus mais avec une certaine pudeur, à la manière Antique. Ainsi le sexe de Tatius est-il caché par son fourreau lui même métaphore implicite du sexe féminin, la lance que Romulus dirige vers Tatius est-elle aussi explicite. Le personnage, soldat des romains à l'extrême droite du tableau, abandonne le champs de bataille rangeant son épée au fourreau. Les femmes qui à la hâte se sont mêlées à la bataille, sont dénudée ou à peine apprêtées. Quand aux hommes ils ne sont protégés que par leur boucliers, armures ou étoles.

           Hersilie, comme je l'ai dit plus haut, figure au centre, à son dos une femme monte sur un petit pilier, soulève son enfant et le montre aux Romains pour leur annoncer que par cette naissance la réconciliation a eut lieu deux ans plus tôt. Une autre vêtue de rouge et portant une couronne de fleur s'agrippe à la jambe de Tatius en signe de supplication. Au pied de Romulus, une femme dévoilant ses seins nus présente sa progéniture et annonce ainsi que les peuples seront à jamais liés par le sang. Une foule de femmes scinde ainsi les armées Romaines et Sabines. Le blanc de la robe d'Hersilie et les touches de couleur vives sur les vêtements des femmes accentuent leur prochaine victoire.

            Le style de David de plus en plus simple et pur s'inspire de l'Antiquité Grecque, il atteint ainsi son objectif : "Je veux faire du Grec pur, je veux ramener l'Art aux principes grecs, je veux  remonter aux grecs."

            Suite à la chute de Robespierre, David sera emprisonné en tant qu'activiste politique, il en profitera pour lire les auteurs Antiques et réagiera à la révolution en peignant les Sabines. Ce tableau et celui du Serment des Horace s'inscrivent comme les symboles du néo-classicisme européen, mouvement qui s'étend environ de 1750 à 1830 et qui sacrifiera la couleur pour privilégier la ligne. Les néo-classiques préconisent un retour à la simplicité de l'Antique après le baroque et la frivolité du roccoco des années précedente.  On sait que David avait déjà tenté avec Saint Roch intercédant auprès de la Vierge pour la guérison des pestiférés en 1780 d'échapper au roccoco et au religieux alors ambiant sans grand succés mais que Diderot l'avait salué pour ces deux oeuvres, le serments des Horace et les Sabines. Ingres, amoureux de la ligne, le prendra pour modèle.

          Enfin David signe avec ce tableau magistral une oeuvre révolutionnaire intemporelle. David deviendra par la suite peintre officiel à la cours de Napoléon.

L'enlèvement des Sabines par Nicolas Poussin